cinequanon

1- El punto de partida de Melinda y Melinda es, por lo menos, interesante. Dos historias paralelas y medianamente simétricas - burguesía neoyorquina "progresista", celos, infidelidades, frustraciones y más - con un mismo personaje femenino central, que aparece de la nada y desestructura todo. El personaje en cuestión, Melinda, es interpretada por la misma actriz (Radha Mitchell) y es, en ambas historias, igualmente desgraciada, insegura, y suicida o pseudo suicida. Lo más importante: una de las historias está narrada en clave comedia y la otra en clave tragedia. No está mal.

2- Will Ferrell, Will Ferrell. A ver…¿Cómo decirlo? Así como John Cusack se metía literalmente adentro de John Malkovich en Quieres ser John Malkovich y lo manejaba desde ahí de a quince minutos por vez, Woody Allen debe haber encontrado un portal que conduce al cuerpo de Will Ferrell y ahora maneja al actor a discreción, desde adentro. Si no, no hay nada que explique la tautología: el balbuceo constante, la incomodad ante todo y todos, el animo quejoso, la famosísima ametralladora de chistes que dispara uno bueno cada cuatro malos. Medio me dio miedo.

3- Y más Quieres ser John Malkovich. John Malkovih se mete en el portal que conduce a sí mismo y ve varias versiones trastocadas de sí: niños, mujeres, viejos, todos con su cara y todos repitiendo "Malkovich" una y otra vez, con diferentes voces, ritmos y matices. Malkovich, Malkovich, Malkovich. En Melinda y Melinda, todos los personajes son una versión trastocada de Woody Allen, y atraviesan el film repitiendo lo que dijo el viejo (o, más bien, los personajes que interpretó) en tantas otras películas: que la vida puede ser mala o peor, que en el fondo no sabemos nada, que la gente tiende a lastimarse y mucho, y otras tantas que no vale la pena repetir.
Ahí está: tres cosas simpáticas, neutras o no-malas del último (aunque probablemente no el último último) film de Woody Allen.
Ezequiel Schmoller

1- LA CASA DE CERA (House of Wax), de Jaume Collet-Serra.

La casa de cera es la sorpresita del año. Gran película de terror con producción de Dark Castle, una productora ejemplar en encontrarle la vuelta al género, más allá de resultados finales. El publicitario catalán Collet-Serra se toma su tiempo al narrar y logra acrecentar la tensión con el correr de los minutos. Más que una película que provoca pánico se trata de una que produce un nerviosismo constante en el espectador y que aprovecha la explicitud para shockearlo. Encima cuenta con un sentido del humor bastante negro y varios guiños a quienes conozcan 1 night in Paris, el video casero que terminó de popularizar a Paris Hilton. Realmente vale la pena ver a Paris morir.

2- MELINDA Y MELINDA, de Woody Allen.

Hace años que la carrera de Allen es un papelón. Melinda y Melinda lo encuentra a años luz de los momentos de inspiración que tuvo el neoyorquino, pero al menos se distancia bastante de sus usuales bodrios. Acá mezcla en dos historias, ambas protagonizadas por las Melinda del título, cada uno de los estereotipos del drama y la comedia. Todo convenientemente justificado por el aroma a charla de café que sobrevuela la película. Will Ferrell está curiosamente insoportable al intentar copiar cada tic de Allen.

* MUY PARECIDO AL AMOR (A Lot Like Love), de Nigel Cole.

Mango está muy entusiasmado y recomienda Muy parecido al amor, segundo estreno del jueves con Amanda Peet. JMDude tiene algo más de mesura con respecto a la película pero está lejos de castigarla. Una comedia romántica con encuentros y desencuentros a través de los años siempre suena bien, pero en esta trabaja Ashton Kutcher.

* CAMA ADENTRO, de Jorge Gaggero.

Cama adentro es la esperada ópera prima del director del corto Ojos de fuego, que formó parte de Historias breves. La película fue seleccionada como apertura del VII bafici a pesar de contar con Norma Aleandro en el elenco, razón suficiente para desconfiar y alejarse de ella lo más posible.

con delay...
STAR WARS: EPISODIO III. LA VENGANZA DE LOS SITH, de George Lucas.

La venganza de los Sith no es ni tan "tan", ni muy "muy". Después de los quince minutos iniciales, tranquilamente uno de los mejores momentos de la saga, la acción comienza a diluirse. Cada irrupción de esa mentira llamada Natalie Portman se vuelve intolerable, lo que funcionaba por ribetes melodramáticos en Episodio II acá se vuelve completamente forzado para resolver lo que todos ya sabían que había que resolver. Otras apariciones vergonzosas son las de Palpatine y Chewbacca. Es cierto que podía ser bastante peor y el final, sólo hasta la concreción de lo que todo el mundo esperaba, es brillante. Después se arruina. "Tanto quilombo por una mina, flaco".

1 RONDA NOCTURNA, de Edgardo Cozarinsky.

Una suerte de Waking Life del subdesarrollo, sin la animación ni el atractivo visual de la obra maestra de Linklater. La nueva película de Cozarinsky está construida por una sucesión de viñetas en las que lo artificioso en los diálogos produce una sensación de extrañamiento. El amor y la muerte son los dos grandes temas de una película onírica. A no ser perejil y tomarse todo como un reflejo de la situación blah-blah-blah, que después te excusan a la película dentro de su mundo fantástico y no podés decir nada.

2- QUERIDO FRANKIE (Dear Frankie), de Shona Auerbach.

Inesperado no bodrio a partir de evitar recurrir al golpe bajo constante. Es cierto que no hay mucho más en este debut de Shona Auerbach. Pero no es poco al tratarse de una película con una madre soltera, un sordito, un padre ausente y abusón y uno al que llaman El Extraño, que la juega de padre del nene y quiere presentarle a su bambi (® 2005 $harly) a la madre soltera. Para llevar a la nona al cine.

*- STAR WARS: EPISODIO III. LA VENGANZA DE LOS SITH, de George Lucas.

JMDude y Juan P. la aman pasionalmente y la defienden a muerte, pero ya escuché varias voces disidentes que hablan de "película formulario" e incluso llegaron a pedir la cabeza de Lucas. Juan P. le pone algún mínimo reparo a la primera mitad y destaca la actuación del otrora nabo Anakin. Los dos resaltan que Lucas está en plena forma, a pesar de no ser un gran director. Que la fuerza esté con los dos cinequanones y no sea ésta una decepción.

con delay...
CLEAN, de Olivier Assayas.

Otro acierto del francés. Es difícil encontrar encuadres más agradables a los ojos que los de Assayas. En Clean, el director sigue a Cheung a todas partes en una lucha contra los prejuicios frente a las drogas y el machismo en el rock. La escena clave está cerca del final, cuando Cheung da una explicación infantil sobre el uso de las drogas. Clean es una película didáctica sobre el proceso de rehabilitación. Por eso no molestan jamás algunas escenas aisladas que se utilizan para justificar reacciones posteriores. Sobre todo cuando son funcionales a la mirada despojada de sensiblería de Assayas. Además, la Emily Wang compuesta por Maggie Cheung con aires Courtney Lovescos es la fotogenia hecha personaje. James Johnston la descose y, para felicidad de la platea, tampoco faltan otras apariciones rockeras.

1- BUSCANDO A REYNOLS, de Néstor Frenkel.
Buscando a Reynols es una película importante. Su mayor virtud es el acercamiento de Frenkel a la banda, sobre todo al tratarse de un documental que todo el tiempo cuestiona la forma de encarar el arte en general. Esto lo hace a partir de los Reynols, pero la película está lejos de celebrar a la banda. Frenkel los toma como ejemplo paradigmático de la experiencia artística. Si bien eso es lo más interesante del documental desde lo formal, por los contenidos del film se percibe que Reynols tal vez sea LA BANDA para este tipo de documentales. Ningún otro grupo ha generado la cantidad de mitos y/o verdades que se dicen sobre ellos. Además, como era de esperarse, Tomasín se roba la película. Lejos de cualquier tipo de análisis, lo que hace de Buscando a Reynols obligatoria es la cantidad de momentos mágicos que refleja. Tiene demasiadas secuencias en las que el espectador queda pasmado:
- ante la duda de la existencia de la banda, Jazzy Mel dice "los Reynols existen, los que no existimos somos todos nosotros"
Lía Salgado le pregunta a Tomasín qué quiere pedir. El responde "trabajo". Ella busca ser políticamente correcto e interpreta "trabajo para todos los argentinos". Tomasín replica "no, para mí solo".
- La banda va a tocar y a presentar un disco al programa de Mario Socolinsky. Cuando el pediatra-conductor les pide que hablen de su disco, la banda muestra el primer disco de Velvet Underground.
- Tomasín, desde la batería, comienza a despotricar contra su público en medio de un show.
Hay mucho más para decir, pero esto debería ser suficiente para que quien lea se decida a acercarse al Cosmos, Tita Merello o Malba. Acá hay más razones y alguna que otra más debería andar por acá. Un último acierto a resaltar: el clasicismo narrativo del documental. Frenkel no busca ser él quien experimenta, sino que eso se lo deja a la banda. Así evita redundancias típicas del cine, como cada vez que se sacude la cámara para encuadrar a alguien nervioso o se sigue a un borracho con la cámara zigzagueante.

2- LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS (House of flying daggers), de Zhang Yimou.
A Zhang Yimou no le interesa trasladar la magia de un momento a imágenes. El busca crear un poema con cada encuadre. Si bien esta grasada visual era molesta en Héroe, ahora en La casa de las dagas voladoras fluye con mayor naturalidad al encontrar una razón de ser en la exacerbación melodramática. Toda pasión debe ser desmesurada dentro de este género y por eso no queda mal tanta campiña y pradera. Esto la acerca un tanto a Episodio II, otra película con sables cargadísima con el (justificadamente) más mersa de los melodramas. Hay que decir que las coreografías de este wuxia pian (películas de espadachines chinos) son muy superiores a las de cualquier Episodio, pero también hay una innecesaria repetición constante del "efectito bala de Matrix" para resolver varias secuencias. Otro punto importante a destacar es que La casa de las dagas voladoras comparte el juego de máscaras de Héroe, pero esta vez por suerte no coquetea ideológicamente con el imperialismo.

3- LA MARCA DE LA BESTIA (Cursed), de Wes Craven.
Si se habla de regímenes totalitarios dentro del cine, es difícil esquivar la mención de Disney y las empresas que aglutina. Wes Craven y Kevin Williamson fueron quienes sufrieron esta vez los famosos tijeretazos en este aggiornamiento de la historia del Hombre Lobo. La marca de la bestia no es un desastre, pero eso no se lo debe a Craven-Williamson sino a Jessie Eisenberg y Christina Ricci. El chico de Cosas de hombres vuelve a estar inmejorable y junto a Ricci le dan algo de espíritu a una película que era sólo un compendio de sustos y chistes. Eso sí, todo con bastante buen timing.

4- LA VIDA ES UN MILAGRO (Zivot Je Cudo), de Emir Kusturica.
Se dice que Kusturica sigue siendo Kusturica, pero la sensación que da La vida es un milagro es que directamente se lo comió el personaje. No parece que sigue haciendo lo mismo, sino que da la sensación que tiene que hacerlo por obligación. Más animales (a los únicos del rubro actoral a los que les sienta bien la sobreactuación), gitanos que gritan constantemente, algún chiste muy bueno, demasiado grotesco, problemas amorosos, más chistes con merca, situaciones disparatadas, alegorías sobre la guerra... Y otra vez más de dos horas y media. Emir Kusturica logró que no se puede decir que lo suyo sea un estilo sino ya un estereotipo. Kusturica es un cineasta cada vez más superficial.

* CLEAN, de Olivier Assayas.
Cineasta discutido, al menos en este blog, es Oliver Assayas. Guido Segal dice que Clean está buena para estar hecha por un director que no tiene personalidad. Assayas es más ecléctico que impersonal, pero seguramente Guido tenga razón al decir que Clean es moralmente interesante y al definir a Clean como "un monólogo de Maggie Cheung, un enorme acto de amor" de parte de Assayas (él lo agredía en lugar de mencionarlo).

* ADIOS QUERIDA LUNA, de Fernando Spiner.
Guido también vio Adiós querida Luna y dice que es interesante, pero todos esos puntos de interés pueden encontrarse fuera de la pantalla y no dentro de ella. Por lo que le leí, da la sensación que Guido piensa que es muy mala pero un tanto simpática, así que no quiere defenestrarla. Habrá que verla para comprobarlo y por ser una película en la que hay una base espacial en Temperley.